Where the Line Lands

Curatorial Statement

The exhibition “Where the Line Lands” by artist Mehri Khalil comes seven years after her last solo show. It does not simply mark a return to exhibiting; rather, it appears as a quiet moment of crystallization within a long journey of research and experimentation. Throughout these years, the artist never ceased practicing art. Instead, she devoted herself to developing her visual language through a continuous engagement with drawing and painting, particularly through small sketches on paper. This period allowed her artistic vision to grow gradually and thoughtfully, away from the pressures of public exhibiting. In this exhibition, we see how Mehri employs the line as a constructive element within the visual composition, transforming it into a means of reconstructing the surrounding reality in her own distinctive way. In Mehri’s work, the line reorganizes relations between objects, turning the painting into a space where masses and voids enter into dialogue, and where elements are reformulated through a geometric system. Geometry in her work is not merely a method for organizing visual space; it is a universal language that the artist employs as a measured and stable framework through which she seeks the essence of things. At the same time, geometry offers her a sense of stability in a world marked by uncertainty and instability. Those who know of the evolution of Mehri Khalil’s artistic practice during these years may notice a clear shift in the presence of the human figure within her compositions. In earlier phases, figures were more prominently present. Gradually, however, these figures began to recede, replaced by silent elements and distilled compositions. Khalil treats people and objects with the same level of presence: still-life elements acquire a distinctly human character within her artistic world. For her, “objects” become almost like “persons,” while faces withdraw or fragment, becoming part of the overall structure of the painting. This transformation does not signify the absence of the human presence so much as it indicates a shift of attention—from the external appearance of the form toward the exploration of the essence of form itself. As a result, her works move beyond conventional boundaries between portraiture, still life, and landscape. The painting becomes a space in which ideas and visions intersect, or crystallizes as a state of deep contemplation. This development cannot be read separately from the artist’s recent experience working with artistic archives. Through direct engagement with artists’ documents, works, and photographs, she was able to reflect more deeply on the history of modern Egyptian art. While this experience does not appear directly within her works, it has deepened her sense of continuity within this history and expanded her awareness of the subtle connections linking artistic experiences across time. This research path culminated in her doctoral studies on cross-cultural influences in modern Egyptian art, which she completed at the Academy of Fine Arts in Vienna, Austria, in 2025. Mehri’s artistic vision is also closely tied to a broader reflection on identity. For her, identity is not a fixed structure but one that forms through layered intersections of time and place. Within this context, her works—through their reliance on geometric structures—appear as a bridge connecting contemporary experience with long-standing visual traditions within Egyptian culture, beginning with ancient Egypt. The geometric forms she employs extend beyond the idea of abstraction, with roots that reach into architecture, ornamentation, and traditional crafts. This connection is particularly evident in her engagement with the art of khayamiya (Egyptian appliqué textile). What began as small sketches eventually transformed into khayamiya works produced in collaboration with specialized artisans. Mehri approached khayamiya as a living material of heritage—a living practice grounded in rhythm and craftsmanship. Through collaboration with khayamiya artisans, her drawings were translated into a textile structure based on the accumulation of fabric pieces and threads, echoing the constructive nature of her geometric compositions. Yet this collaboration also introduced an additional space of freedom: working with artisans on the same surface opened new expressive possibilities. This can be seen in the introduction of colors that had not previously been central to her work—such as red, blue, and pink—which appear with greater clarity and boldness within the textile compositions. At the same time, human figures return with renewed vitality within this khayamiya series. This dialogue with material extends further into other experiments the artist has pursued in recent years with a variety of mediums, including wood. In these works, the wooden surface no longer functions merely as a support for painting or as a frame; instead, it becomes an integral component of the artwork itself. The material thus transforms into a semantic element, adding layers of texture, memory, and history to the work. All these works, gathered within the exhibition “Where the Line Lands,” invite the viewer to accompany Mehri on her journey across seven years leading to the present moment. At the same time, this body of work reveals a rich awareness of Egyptian visual heritage—not as a fixed reference, but as a field open to reinterpretation within a contemporary vision. Through the interaction between artistic research, craftsmanship, and experimentation with materials, Mehri Khalil continues to construct her own distinct world—one grounded in geometry and reduction, and in the ongoing pursuit of visual balance that grants the work a sense of stillness and inner depth. Mona Abdel Karim

يأتي معرض "حيث يستقر الخط" للفنانة مهري خليل بعد سبع سنوات من آخر معارضها الفردية، وهو ليس عودة إلى العرض بقدر ما يبدو لحظة تبلور هادئة لمسار طويل من البحث والتجريب. فخلال هذه السنوات لم تنقطع الفنانة عن ممارسة الفن، بل كانت منشغلة بتطوير لغتها التشكيلية عبر ممارسة متواصلة للرسم والتصوير، لاسيما الاسكتشات الصغيرة على الورق؛ تلك الفترة التي سمحت لرؤيتها الفنية بأن تنمو بهدوء بعيدًا عن ضغوط العرض. في هذا العرض نرى كيف توظف مهري الخط كوسيلة للبناء التشكيلي، ليصبح طريقة لإعادة بناء الواقع المحيط بها بأسلوبها. فالخط عند مهري خليل يعيد ترتيب العلاقات بين الأشياء، فتتحول اللوحة إلى فضاء تتحاور داخله الكتل والفراغات، وتُعاد صياغة العناصر عبر نظام هندسي. فالهندسة في أعمال الفنانة لا تمثل مجرد تنظيم للفضاء البصري، وهي لغة عالمية توظفها الفنانة كإطار محسوب وثابت للوصول إلى جوهر الأشياء.. إضافة إلى أن الهندسة منحتها الفرصة للعثور على شكل من أشكال الثبات في عالم يتسم بالاضطراب وعدم اليقين. والمتابع لتطور تجربة الفنانة مهري خليل خلال تلك السنوات، بإمكانه أن يلحظ تحولًا ملحوظًا في طبيعة حضور الإنسان داخل اللوحة. ففي مراحل سابقة كانت الشخصيات أكثر حضورًا. غير أن هذه الشخصيات بدأت تتراجع تدريجيًا، لتحل محلها عناصر صامتة وتكوينات مختزلة، إذ تتعامل مهري مع الأشخاص والأشياء على المستوى ذاته من الحضور، فعناصر الطبيعة الصامتة تكتسب في عالمها الفني طابعًا إنسانيًا، ونرى أن "الأشياء" بالنسبة لها بمثابة "أشخاص"، بينما تتوارى الوجوه أو تتجزأ لتصبح جزءًا من البنية العامة للوحة. هذا التحول لا يعني غياب الإنسان بقدر ما يشير إلى انتقال الاهتمام من الشكل الخارجي إلى البحث في جوهر الشكل ذاته، وهو ما يجعل أعمال الفنانة تتجاوز الحدود التقليدية بين البورتريه والطبيعة الصامتة والمنظر الطبيعي. فاللوحة هنا تتشكل بوصفها مساحة تتداخل فيها الأفكار والرؤى، أو تتبلور كحالة من حالات التأمل العميق. ولا يمكن قراءة هذا التطور بعيدًا عن تجربة الفنانة في العمل بالأرشيفات الفنية خلال السنوات الأخيرة، حيث أتاح لها الاحتكاك المباشر بوثائق الفنانين وأعمالهم وصورهم فرصة للتأمل في تاريخ الفن المصري الحديث. هذه التجربة لم تظهر في أعمالها بشكل مباشر، لكنها عمّقت إحساسها بالاستمرارية داخل هذا التاريخ، ووسّعت وعيها بالامتداد الخفي الذي يربط التجارب الفنية عبر الزمن. ذلك المسار البحثي الذي بدأته من خلال مشوارها للحصول على رسالة الدكتوراه حول موضوع التأثيرات العابرة للثقافات في الفن المصري الحديث والتي حصلت عليها من أكاديمية الفنون الجميلة في فيننا بالنمسا عام ٢٠٢٥. وترتبط رؤية مهري الفنية في مجملها أيضًا بفكرة أشمل عن الهوية، فهي ترى أن الهوية ليست بنية ثابتة، بل تتشكل عبر طبقات متداخلة من الزمان والمكان. في هذا السياق، تبدو أعمالها -بتوظيفها للهندسيات- جسرًا يربط بين التجربة المعاصرة وبين تقاليد بصرية راسخة في الثقافة المصرية بداية من المصري القديم. فالهندسيات التي تعتمد عليها الفنانة تتجاوز فكرة التجريد، بل تمتد جذورها إلى العمارة والزخرفة والحرف التقليدية. ويتجلى هذا الارتباط بوضوح أيضًا في تجربتها مع فن الخيامية، التي بدأت من اسكتشات صغيرة تحولت لاحقًا إلى لوحات خيامية بالتعاون مع حرفيين متخصصين. فقد تعاملت الفنانة مع الخيامية بوصفها مادة حية للتراث.. ممارسة حية تقوم على الإيقاع والعمل اليدوي. وقد أتاح لها التعاون مع فناني الخيامية إعادة ترجمة رسوماتها إلى بناء نسيجي يعتمد على تراكم القطع والخيوط، وهو ما يتقاطع مع طبيعة أسلوبها الفني القائم على التركيب الهندسي للعناصر. إلا أن ثمة مساحة إضافية من الحرية أتاحها التعاون مع حرفيين داخل نفس المسطح الفني، حيث فتحت التجربة أمامها إمكانات جديدة للتعبير.. يمكن أن نراها في دخول ألوان لم تكن جزءًا من تجربتها السابقة كالأحمر والأزرق والوردي، حيث أصبحت هذه الألوان أكثر وضوحًا وجرأة داخل النسيج. كما نرى شخوصها تعود مرة أخرى بحضور حيوي في مجموعة الخيامية. ويمتد هذا الحوار مع المادة إلى تجارب أخرى خاضتها الفنانة في السنوات الأخيرة، مع مختلف الخامات وصولًا إلى العمل على الخشب. ففي هذه الأعمال يتجاوز السطح الخشبي دوره كحامل للرسم أو كإطار ليصبح جزءًا من بنية العمل الفني نفسه، هنا تتحول الخامة إلى عنصر دلالي يضيف إلى العمل طبقات من الملمس والذاكرة والتاريخ. إن كل تلك الأعمال التي تجتمع معًا داخل معرض "حيث يستقر الخط" تمنح المتلقي الفرصة لمشاركة الفنانة مهري خليل رحلتها عبر سبع سنوات وصولًا للحظة الحالية. كما تكشف هذه التجربة عن وعي ثري بالتراث البصري المصري، ليس باعتباره مرجعًا ثابتًا، بل بوصفه مجالًا يمكن إعادة قراءته وتوظيفه ضمن رؤية معاصرة. ومن خلال هذا التفاعل بين البحث التشكيلي والعمل اليدوي والتجريب في الخامات، تواصل مهري خليل بناء عالم خاص بها، يقوم على الهندسيات والاختزال وعلى السعي الدائم إلى تحقيق توازن بصري يمنح العمل حالة من السكون والعمق الداخلي. منى عبدالكريم

Exhibition Details