Mariam Abdel Aleem

Curatorial Statement

Through an exceptional artistic journey that extended for more than half a century, Mariam Abdel Aleem succeeded in transforming graphic art in Egypt from a purely reproductive printing medium into a comprehensive visual language capable of embracing the details of everyday Egyptian life, social transformations, and human emotions. Alongside her pioneering role as an artist, Abdel Aleem was an inspiring professor who left a profound impact on successive generations of students in the Graphic Department at the Faculty of Fine Arts in Alexandria. She did not merely transmit the latest printing techniques and methods; she instilled in her students a spirit of boldness, a love of materials, and faith in experimentation as the essence of the creative process. Despite her stature, her personality was marked by a clear modesty toward the spotlight; her focus remained directed toward the essence of artistic work rather than its media or celebratory presence. Her creative output continued until the very last moments of her life; she passed away while the colors of her final paintings had not yet dried on her fingertips, leaving behind a vast artistic legacy that placed her among the most important visual artists in Egypt. This was expressed by Dr. Salah El-Meligy, who described her as “a luminous sign in the record of Egypt’s creators,” noting that her works over many decades represented a true qualitative leap in graphic art. She liberated it from the prevailing traditional molds and developed a new and daring visual language through which she continued to explore and expand the printed medium, enabling her to move within more liberated spaces—enriched by her unique talents and fertile imagination—so that her works became aligned with her pure spirit, sincere and expressive of her human and artistic character. The mural The Egyptian Woman (84 cm × 2.5 m) is considered one of the most important works of this period. It presents a rich panoramic vision of the role of women across the ages, in a style reminiscent of ancient Egyptian murals. Abdel Aleem transformed the pictorial space into a continuous visual narrative in which daily scenes appear side by side without divisions, making the Woman a collective presence in every detail of life. At one end of the mural appears the duality of Adam and Eve as the origin of the human story; however, Adam’s presence is marginal compared to Eve’s, in line with Abdel Aleem’s vision that grants Woman symbolic and actual centrality within the composition. Man is part of the story, but Woman carries its continuity. Woman is active—grinding, spinning, cooking, and caring for children—affirming her centrality in the social structure. The horizontal dimension of the mural conveys a sense of movement, time, and continuity—an idea that preoccupied Abdel Aleem for a long time. The wheel motif recurs in many of her works, whether as the wheel of daily life or, in the Industrial Revolution series, as a gear form. This work was executed using silk-screen printing, and she was the first to introduce silk-screen printing into artistic practice in Faculties of Fine Arts after her return from her scholarship in 1959. She contributed to establishing the Printmaking Department at the Faculty of Fine Arts in Alexandria and founded a distinctive artistic school, as recounted by her daughter, the artist Zeinab El-Demerdash. She relied on large printed areas reaching two meters or more, at a time when traditional academic schools favored small formats—a direction inspired by her American experience. She also introduced relief printing into Egyptian art faculties for the first time using large-scale wooden blocks. The techniques she employed throughout her artistic experiments varied between lithography, silkscreen, linocut, relief and intaglio printing, in addition to mixed media, collage, and photo-sensitization. She excelled in combining more than one technique within a single work, achieving visual harmony between texture and symbol. Under the title “The Form of Meaning,” Mokhtar El-Attar wrote about the uniqueness of Abdel Aleem’s graphic experience in Al-Musawwar: “She had to ‘rationalize’ graphic formulation methods at the Faculty of Fine Arts… She introduced new means, combining silkscreen printing with photo-sensitization. She created zinc plates after cutting them into multiple parts, engraving them sometimes in intaglio and sometimes in relief, to avoid the appearance of an illusory line separating the drawn elements… This granted her creativity a realistic and poetic flavor—felt but unseen. Thus, craftsmanship served to perfect the formulation of meaning, not craftsmanship for its own sake.” Her works passed through thematic stages that paralleled transformations in Egypt and the Arab region, including a phase of social documentation and the Industrial Revolution during the era of Gamal Abdel Nasser. She depicted scenes from popular life such as the watermelon seller, the licorice seller, and secondary-school girls. She once spoke about the diversity of her subjects: “The surrounding events had a great effect on shaping them. From these events came the stages that began with my influence by the Egyptian street and what it contains of carts, humans, animals, and the wheel of life—from morning to evening. Thus, the wheel played a major role in building my works during the first half of the 1960s and then the second half, followed by political events from the industrial revolution to women entering elections and joining the political field, then Post -6-Day-War (June of 1967). Despite obtaining her PhD from the University of California, her attachment to Egyptian roots remained evident, as noted by Dr. Ahmed Nawar, who affirmed that she “did not drift into postmodern trends, but maintained familiar symbols with which the viewer interacts and finds himself.” Her vision of artistic belonging to roots and heritage was articulated in a lecture titled “Heritage and Contemporary Vision… Globalization Civilization and the Return to Heritage,” where she stated: “Our young intellectuals and artists must draw from their heritage and civilization, preserving the influence of their beliefs and traditions, and developing their thought, art, and conscience from the history, heritage, and authenticity of their land and civilization, without being influenced by or importing a new art and thought devoid of roots and heritage.” This vision, both artistic and intellectual, was adopted all the way by the artist, hence the frequent presence of pyramids using it as a symbol of civilization, continuity, and eternity, in the face of globalization and cultural alienation. The Sufi phase, during the 1970s and 1980s, represents one of the most important chapters of Abdel Aleem’s experience, especially after performing the pilgrimage in 1969 and her repeated visits to the Holy Land. This was reflected in her choice of subjects and her use of Qur’anic verses, the Divine Name, and motifs of peace and Divine awe in works, marked by profound inner purity. She expressed this by saying: “These awe-inspiring experiences had a great impact on the choice of themes and the artistic construction of the work, in the use of writing for its beauty and expressive power.” This spiritual tendency deepened during her period of secondment in Saudi Arabia (1975–1980), and also with the experience of loss following the death of her son Zuhair, resulting in the series Elegies for Zuhair as an emotional climax in her career. Arabic calligraphy became a principal feature in many works of this phase, used as a visual element rather than bound by strict traditional rules, but molded to serve the visual composition. Sufism does not appear as a direct subject, but as a general feel manifested in the idea of passage, purification, and the search for meaning beyond the apparent. As Mokhtar El-Attar noted: “The Sufi content in Abdel Aleem’s work does not spread through religious words arranged in formations; words are ultimately lines and shapes with visual value for those who do not read or grasp their meaning. They blend with symbolic forms, producing a kind of evocative ambiguity—like barren rocks in a distant desert, or primitive totems that have lost their origins yet retain their ancient magic. Though these compositions rest on artistic considerations and long experience, they reveal the artist’s estrangement in a world where dream and reality merge, drawing the viewer closer, after a moment of contemplation.” For Abdel Aleem, the artwork is a message to the viewer arising from psychological thought and the creation of dreams and events, intersecting—according to her—with Freud’s theory of transforming the unconscious into consciousness, and the personal into the universal. Hence, her paintings in some phases appear surreal; artworks, like dreams, are a form of release and liberation of thoughts and emotions through the unconscious in the creative process, being transformed into a painting of symbolic signs containing formal and chromatic elements. This perhaps explains why her works create a state between the earthly and the metaphysical, as if suspended between two worlds—read not as a single scene but as an open field of meaning in which times and layers coexist between myth, history, heritage, religion, and daily life. In the 1990s, her paintings were charged with scenes and elements bearing multiple connotations: black birds symbolized terrorism and death, white birds peace, and fish growth, goodness, and the pulse of the Nile. Her works then strongly engaged with many Arab causes. Among her works of this period is Life on the Riverbank, acrylic on papyrus, built on a horizontal narrative. The river becomes a path of life and memory, while pyramids and architecture coexist with birds and fish. The choice of acrylic on papyrus is not merely material, but reflects her awareness of material as a cultural medium evoking civilizational memory. Throughout her journey, she did not confine herself to a single creative product nor cease experimenting. She produced a distinctive artwork on a hand-woven loom rug and later created artist books, combining drawing, collage, and printmaking in an innovative conceptual format. Each of her works calls for a separate reading; they are marked by technical creativity, comprehensiveness of formal structure, and depth of content and themes charged with emotion and symbolism that engage the viewer and penetrate beyond the surface into the depths of the psyche. Throughout her rich journey, Mariam Abdel Aleem opened herself to various artistic schools between Realism and Expressionism. Her personality, imbued with Sufism and spirituality, endowed her creativity with a unique state of sincerity and authenticity. Thus, this exhibition stands as a celebration of her prolific history and distinguished achievements as a true pioneer, at the forefront of graphic artists in particular and at the heart of Egypt’s creative scene and cultural memory in general. Mona Abdel Karim

مريم عبد العليم (١٩٣٠ - ٢٠١٠) رائدة الحداثة الجرافيكية عبر رحلة فنية استثنائية امتدت لأكثر من نصف قرن، استطاعت مريم عبد العليم أن تنقل فن الجرافيك في مصر من كونه وسيطًا طباعيًا إلى لغة تشكيلية شاملة قادرة على استيعاب تفاصيل الحياة اليومية المصرية، وتحولات المجتمع وكذلك المشاعر الإنسانية. وإلى جانب دورها الريادي كفنانة، كانت مريم عبد العليم أستاذة ملهمة تركت أثرًا عميقًا في أجيال متعاقبة من طلاب قسم الجرافيك بكلية الفنون الجميلة بالإسكندرية. لم تكتفِ بنقل أحدث التقنيات والأساليب الطباعية، بل غرست في طلابها روح الجرأة، وحب الخامة، والإيمان بقيمة التجريب بوصفه جوهر العملية الإبداعية. وبرغم مكانتها، اتسمت شخصيتها بزهد واضح في الأضواء، إذ ظل تركيزها موجّهًا نحو جوهر العمل الفني، لا نحو حضوره الإعلامي أو الاحتفائي. ظل عطاء الفنانة مريم عبد العليم متصلًا حتى اللحظات الأخيرة من حياتها؛ إذ رحلت وألوان آخر لوحاتها لم تجف بعد على أناملها، تاركةً خلفها إرثًا فنيًا ضخمًا وضعها في مصاف أهم الفنانين التشكيلين في مصر. وهو ما عبّر عنه د. صلاح المليجي من قبل بوصفها "علامة مضيئة في سجل مبدعي مصر"، إذ مثّلت أعمالها، على مدار عقود طويلة، نقلة نوعية حقيقية في فن الجرافيك، تحررت خلالها من القوالب التقليدية السائدة وقتها إلى لغة تشكيلية جديدة وجريئة، واصلت خلالها استكشاف وتطوير الوسيط الطباعي، مكّنتها من التحرك في مساحات أكثر تحرراً، أثرتها هي بملكاتها الفريدة وخيالها الخصب، فجاءت أعمالها متوافقة مع روحها النقية صادقة ومعبرة عن ذاتها وشخصيتها الإنسانية والفنية الرائعة". بدأت عبد العليم مسيرتها من قاعدة أكاديمية كلاسيكية؛ حيث درست بكلية الفنون الجميلة جامعة حلوان، وبرزت خلال الخمسينيات بنزعتها الواقعية وهو ما تجلّى بوضوح في كثير من أعمالها لاسيما البورتريهات الكلاسيكية التي قدمتها في تلك الفترة. غير أن التحول الجذري في مسيرتها جاء مع سفرها إلى الولايات المتحدة لنيل درجة الماجستير في الفنون الجميلة (MFA) من جامعة جنوب كاليفورنيا، حيث انفتحت على عالم الطباعة والتصوير الجداري، وتأثرت بازدهار فن الجرافيك في أمريكا. هناك، أصبحت العملية الطباعية محور اهتمامها الفني، لتعود إلى مصر عام 1959 بوصفها رائدة فن الطباعة الفنية الحديث. ومن أبرز أعمال تلك المرحلة لوحة "العائلة المقدسة" التي نفذتها في أمريكا ونالت عنها جائزة بينالي الإسكندرية عام 1957، وهو العمل الذي شكّل نقطة العودة والانطلاق المهني في الإسكندرية. وتُعد جدارية "المرأة المصرية" (84 سم × 25٠ سم) واحدة من أهم أعمال هذه المرحلة، حيث قدمت رؤية بانورامية ثرية لدور المرأة عبر العصور، بأسلوب يحاكي الجداريات المصرية القديمة. إذ حولت الفنانة المساحة التصويرية إلى سرد بصري متتابع، تتجاور فيه المشاهد اليومية دون فواصل، فتغدو المرأة كيانًا جمعيًا حاضرًا في كل تفصيلة من تفاصيل الحياة. في طرف اللوحة، تحضر ثنائية آدم وحواء بوصفها أصل الحكاية الإنسانية، غير أن حضور آدم يبدو أقل فاعلية مقارنة بحواء، في انسجام واضح مع رؤية عبد العليم التي تمنح المرأة مركز الثقل الرمزي والفعلي داخل التكوين؛ فالرجل جزء من الحكاية، بينما المرأة هي من تحمل استمراريتها. فالمرأة فاعلة.. تطحن، تغزل، تطبخ، ترعى الأطفال، مؤكدة مركزيتها في البنية الاجتماعية. ويمنح الامتداد الأفقي للجدارية إحساسًا بالحركة والزمن والديمومة، وهي فكرة شغلت عبد العليم طويلًا، إذ نرى أن رمز العجلة متكرر في كثير من أعمالها، سواء بوصفها عجلة الحياة اليومية أو في مجموعة الثورة الصناعية حيث تتحول إلى شكل الترس. وقد نفذت تلك اللوحة باستخدام الطباعة الحريرية.. فقد كان لها الفضل في إدخال الطباعة الحريرية في العمل الفني لأول مرة في كليات الفنون الجميلة، عقب عودة عبد العليم من بعثتها عام 1959، ساهمت في افتتاح قسم الطباعة الفنية بكلية الفنون الجميلة بالإسكندرية، وأسست مدرسة فنية متميزة، كما تروي ابنتها الفنانة زينب الدمرداش، حيث اعتمدت على المساحات الطباعية الكبيرة التي تصل إلى مترين وأكثر، في وقت كانت فيه المدارس الأكاديمية التقليدية تميل إلى المساحات الصغيرة. وهو توجه استلهمته من تجربتها الأمريكية. وقد كان لها الفضل كذلك في إدخال الطباعة البارزة في كليات الفنون بمصر لأول مرة باستخدام قوالب خشبية ذات أبعاد كبيرة. وتنوعت التقنيات التي وظفتها عبر تجاربها الفنية بين الليثوجراف، والسلك سكرين، وطباعة اللينو، والطباعة البارزة والغائرة، إلى جانب الوسائط المختلطة والكولاج والتحسيس الفوتوغرافي، وبرعت في دمج أكثر من تقنية داخل العمل الواحد، محققة تناغمًا بصريًا يجمع بين الملمس والرمز. وقد كتب مختار العطار تحت عنوان "الشكل ذو الدلالة" عن تفرد تجربة عبد العليم الجرافيكية في المصور: "كان عليها "ترشيد" أساليب الصياغة الجرافيكية في كلية الفنون الجميلة.. استحدثت وسائل جديدة، أدخلت الطباعة بالشاشة الحريرية مع التحسيس الفوتوغرافي. أبدعت لوحاتها الزنكية بعد تقطيعها إلى أجزاء متعددة.. تحفرها غائرة أحيانا وبارزة أخرى، لتتفادى ظهور الخط الوهمي الذي يفصل العناصر المرسومة.. الأمر الذي منح إبداعها مذاقاً واقعياً وشاعرياً.. نحسه ولا نراه.. من هنا.. كانت الصنعة من أجل إحكام صياغة المضمون.. وليس من أجل احكام الصنعة ذاتها." وقد مرت أعمال الفنانة مريم عبد العليم بمراحل موضوعية واكبت تحولات مصر والمنطقة العربية، ومن بينها مثلاً مرحلة التوثيق الاجتماعي والثورة الصناعية في عهد جمال عبد الناصر، كما قدمت مشاهد من الحياة الشعبية ومنها بائع البطيخ، بائع العرقسوس، بنات الثانوي. إذ تحدثت الفنانة من قبل عن تنوع موضوعاتها قائلة “كانت للأحداث المحيطة بي أثرًا كبيرًا على إخراجها، ومن منطلق هذه الأحداث كانت تلك المراحل التى بدأت بتأثري بالشارع المصرى وما يحويه من العربات، الإنسان.. الحيوان.. عجلة الحياة.. العجلة من الصباح إلى المساء.. وبذلك لعبت العجلة دوراً كبيراً فى بناء أعمال فترة النصف الأول من الستينيات ثم النصف الثاني وتتوالى الاحداث السياسية من ثورة التصنيع إلى دخول المرأة الانتخابات وانضمامها للحقل السياسي ومن ثم حرب 1967." وبرغم حصولها على الدكتوراه من جامعة كاليفورنيا، ظل ارتباطها بالجذور المصرية واضحًا، وهو ما أشار إليه د. أحمد نوار مؤكدًا أنها "لم تنجرف وراء تيارات ما بعد الحداثة، بل حافظت على رموز مألوفة يتفاعل معها المتلقي، ويجد نفسه فيها".. وبإمكاننا أن نتعرف على رؤية عبد العليم للانتماء الفني للجذور والتراث فيما ذكرته خلال الندوة التي تحدثت فيها تحت عنوان "التراث والرؤية المعاصرة.. حضارة العولمة والعودة إلى التراث " لتقول "على شبابنا من المفكرين والفنانين أن يستقى من تراثه وحضارته محافظًا على التأثير بعقائده وتقاليده وتطوير فكره وفنه ووجدانه من منطلق تاريخ وتراث وأصالة أرضه وحضارته، لا يتأثر ولا يستورد فن وفكر مستجد ليس له جذور ولا تراث".. وهي الرؤية التي تبنتها فنيًا وفكريًا، ومن ثم نرى أن الأهرامات حاضرة بكثافة في كثير من أعمالها كرمز للحضارة والاستمرارية والخلود، والرسوخ في مواجهة تيارات العولمة والتغريب. كذلك تمثل المرحلة الصوفية خلال فترة السبعينيات والثمانينيات أحد أهم فصول تجربة الفنانة مريم عبد العليم، خاصة بعد أدائها فريضة الحج عام 1969، وما تلاها من زيارات متكررة للأراضي المقدسة. إذ انعكس ذلك في اختيار الموضوعات، واستعمال الآيات القرآنية، ولفظ الجلالة، ومفردات السلام والخوف الإلهي، في أعمال اتسمت بنقاء داخلي عميق. وقد عبّرت الفنانة عن ذلك بقولها: "كانت تلك المواقف الرهيبة ذات الأثر الكبير على اختيار المواضيع والبناء الفني للعمل، في استعمال الكتابات بجمالها وتعبيرها" وقد تعمّقت هذه النزعة الروحية خلال فترة إعارتها في السعودية (1975–1980)، ثم كذلك مع تجربة الفقد، بوفاة ابنها زهير، لتظهر سلسلة "مرثيات زهير" بوصفها ذروة وجدانية في مسيرتها. وقد شكّل الخط العربي ملمحًا رئيسيًا في كثير من أعمال تلك المرحلة، إذ استخدمته بوصفه عنصرًا تشكيليًا دون التزام بالقواعد التقليدية الصارمة، بل بتطويعه لخدمة التكوين البصري. فالخط يظهر كجزء عضوي من النسيج التشكيلي، فلا تطرح عبد العليم الصوفية بوصفها موضوعًا مباشرًا، بل كمناخ عام يتجلى في فكرة العبور، والتطهر، والبحث عن المعنى خلف الظاهر. إن المضمون الصوفي عند مريم عبد العليم لا يشيع - كما أشار الناقد مختار العطار من قبل "من الكلمات الدينية التي تتوزع تشكيلاتها، فالكلمات، في النهاية الأمر، خطوط وأشكال ذات قيمة بصرية عند من لا يقرؤها ومن لا يدرك معناها.. كما أنها تمتزج برموز ذات دلالة، لتسفر عن نوع من الغموض المثير للخيال والأفكار. كغموض الصخور الغفل في صحراء بعيدة.. أو طواطم بدائية فقدت أصولها وبقيت تشع سحرها القديم الذي لا يخبو ومع أن هذه التكوينات مستندة إلى حسابات فنية وخبرة طويلة، إلا أنها تنم عن اغتراب الفنانة في عالم يمتزج فيه الحلم بالحقيقة، ينجذب إليه المتلقي بعد برهة من التأمل". وبصورة أو أخرى فإن العمل الفني بالنسبة لمريم عبد العليم هو بمثابة رسالة للمتلقي تنبع من التفكير النفسي وتشكيل الأحلام والأحداث، وهو تصور يتقاطع – طبقا لرؤية الفنانة - مع نظرية فرويد حول تحويل اللاوعي إلى وعي، والشخصي إلى شمولي.. ولذا فإن لوحاتها في بعض المراحل تبدو سريالية المشهد، فالأعمال الفنية كما ذكرت الفنانة مثلها مثل الأحلام، فهي بالمفهوم الحديث نوعا من التنفيس والتخلص من الأفكار والمشاعر بتحكيم اللاشعوري في عملية الإبداع، فتتحول إلى لوحة فنية ذات رموز اصطلاحية تحتوي على مفردات شكلية ولونية. ربما هو ما يفسر كون لوحاتها تخلق حالة بين الأرضي والميتافيزيقي، وكأن اللوحة معلّقة بين عالمين لا تُقرأ بوصفها مشهدًا واحدًا، بل كحقل دلالي مفتوح تتجاور فيه الأزمنة والطبقات بين الأسطورة والتاريخ والتراث والدين والحياة اليومية.. تلك الطبقات التي اندمجت جميعا في بناء بصري واحد. والمتأمل للوحات عبد العليم خاصة في فترة التسعينات يجدها مشحونة بالمشاهد وبالمفردات والعناصر التي حملت دلالات متعددة، ففي كثير من لوحاتها ظهرت الطيور السوداء تشير إلى الإرهاب والموت، بينما ترمز الطيور البيضاء إلى السلام، والأسماك رمزًا للنماء والخير ونبض النيل.. ففي تلك الفترة كانت أعمال عبد العليم متفاعلة بقوة مع كثير من قضايا الأمة العربية. ومن ضمن لوحات التسعينات مثلا نجد لوحة " الحياة على ضفة النهر" وهي أكريلك على ورق بردي تقوم على السردية الأفقية، حيث يمتد المشهد عبر سطح اللوحة كرحلة بصرية متتابعة، لا تُقرأ من نقطة مركزية واحدة، بل عبر الانتقال الحر بين المقاطع والعناصر. يتحوّل النهر إلى مسار للحياة والذاكرة، وتتجاور في اللوحة العناصر الحضارية كالأهرامات والعمارة مع مفردات الطبيعة الحيّة مثل الطيور والأسماك، كذلك فإن اختيار الأكريليك على ورق البردي لا يحمل دلالة مادية فقط، بل يعكس وعيها بالخامة بوصفها وسيطًا ثقافيًا يستدعي الذاكرة الحضارية. ولم تكتف مريم عبر رحلتها بمنتج إبداعي واحد؛ أو تكف عن التجريب فقدمت عمل فني مميز على سجادة النول اليدوي، كما أنجزت كتب الفنان في مراحلها المتأخرة، دمجت فيه الرسم والكولاج والطباعة في قالب مفاهيمي مبتكر. إن كل عمل من أعمال مريم عبد العليم يستدعي قراءة منفصلة.. فقد اتسمت أعمالها بالإبداع التقني واكتمال عناصر البناء الفني وثراء مضامينها وموضوعاتها المشحونة بالمشاعر التي تحاور المتلقي بكثير من الرموز، لتتجاوز سطوح لوحاتها لتنفُذ معه إلى أعماق النفس وخواطرها. وخلال رحلتها الثرية انفتحت مريم عبد العليم على مختلف المدارس الفنية ما بين الواقعية والتعبيرية، وقد اكسبتها شخصيتها النابضة بالتصوف والروحانية حالة فريدة من الإبداع الحقيقي والصادق.. لذا فإن هذا المعرض هو احتفاء بتاريخها الحافل وإبداعاتها المتميزة كرائدة حقيقية تأتي في طليعة فنانات الجرافيك بشكل خاص، وفي صدارة مشهد الإبداع المصري وذاكرته بوجه عام. منى عبدالكريم Mariam Abdel Aleem(1930 -2010) Pioneer of Graphic Modernism

Exhibition Details